Historia de la darbuka.

La darbuka (دربوكة) es un tambor de mano con forma de copa: ancho arriba, estrecho en el centro y abierto abajo. Una piel o lámina de plástico se tensa sobre la abertura superior: es el parche. Al golpearlo, vibra y produce el sonido. El cuerpo hueco ayuda a proyectarlo. [1]

En Egipto suele llamarse tabla (طبلة). En el Levante, que incluye Siria, Líbano, Palestina y Jordania, puedes oír darbake o dirbakki (دربكة). Entre los nombres turcos están darbuka, dümbek y dümbelek. Darbouka es una grafía habitual en el norte de África. La tabla egipcia es distinta de la pareja de tambores llamada tabla en la música india. [2][3][4]

Sus antecesores podrían remontarse a miles de años atrás. La idea básica era sencilla: hacer un cuerpo hueco de barro, cubrir un extremo con piel y golpearlo con la mano. El Ministerio de Cultura de Turquía vincula tambores como la darbuka con la antigua Anatolia, Mesopotamia y Asia Central. Anatolia se encuentra principalmente en la actual Turquía; Mesopotamia ocupaba sobre todo el actual Irak y partes de Siria. [3]

Una estimación sitúa posibles antecesores de barro hacia el 1700 a. e. c., hace unos 3700 años. La investigadora turca Esra Karaol relaciona esta fecha con restos del periodo de las colonias comerciales asirias. El lugar y la fecha exactos de invención de la darbuka moderna siguen siendo desconocidos. [5]

El barro puede conservarse mucho después de que la piel y las cuerdas se hayan descompuesto, lo que deja pocas pistas sobre cómo sonaban los primeros tambores o cómo se tocaban. [4]

En el siglo XVII, el viajero otomano Evliya Çelebi describió en Egipto tambores de cerámica llamados dümbelek. Estas referencias, analizadas en la investigación de Songül Çakmak, ofrecen una imagen más firme de los tambores de barro en la vida musical cotidiana. [6]

En el siglo XIX, los relatos sobre Túnez describen la darbouka en conjuntos de café junto al oud, el rabab y tambores de marco. La música circulaba entre comunidades y el tambor formaba parte de esa vida compartida. [7]

La darbuka a través del tiempo

a. e. c. significa «antes de la era común».

1. Hacia 1700 a. e. c.Posibles antecesores

   Primeros tambores de barro

   Karaol relaciona restos del periodo de las colonias comerciales asirias con posibles raíces de la darbuka de barro. [5]

2. Siglo XVII

   Un viajero otomano describe tambores de cerámica

   Los relatos de Evliya Çelebi mencionan dümbelek de barro en Egipto. [6]

3. Siglo XIX

   La darbouka en los cafés de Túnez

   Los relatos sobre la música en Túnez la sitúan junto a cuerdas y otras percusiones, tocadas por músicos de diferentes comunidades. [7]

4. Década de 1930

   Un sonido familiar en Estambul

   Investigadores turcos describen su popularidad en la música de la ciudad. Hasan Tahsin Parsadan ayudó a introducirla en los círculos musicales profesionales. [4]

5. Décadas de 1930–1950

   Los escenarios de danza y las estrellas de cine de El Cairo

   Los espectáculos de Badia Masabni impulsaron a bailarinas como Tahiyya Carioca y Samia Gamal. Su trabajo en el escenario y en el cine dio a conocer ampliamente la danza egipcia. [8]

6. 1963–1964

   Se graban instrumentos tunecinos para la enseñanza

   El archivo sonoro nacional de Túnez conserva una grabación de la Rachidiyya de estos años sobre la darbouka y otros instrumentos. [9]

7. Décadas de 1970–1980El relato de un fabricante

   Nuevos acabados para tambores de barro y metal

   La historia de Gawharet El Fan describe la incorporación de diseños de nácar a tambores de barro y su posterior aplicación a cuerpos de metal. [10]

8. Décadas de 1980–1990

   Los tambores de barro inspiran nuevas formas de tocar

   Renace en Turquía el interés por los tambores de barro egipcios. La veloz técnica de dedos de Mısırlı Ahmet ayuda a popularizarlos entre una nueva generación. [4]

9. 1993El relato de un fabricante

   El modelo Sombaty, de mayor tamaño

   Gawharet El Fan fecha su Sombaty en este año. Su parche más grande deja más espacio para las manos. [10]

10. 1994–1996

    La percusión egipcia se une a un gran proyecto de rock

    Hossam Ramzy lleva a músicos árabes a la grabación de No Quarter de Page y Plant, y después participa en su gira de 1995–96. [11]

11. 2007

    Un lugar para aprender juntos en Estambul

    Mısırlı Ahmet abre Galata Ritimhanesi. Los músicos aprenden con la práctica compartida, nuevas frases y sus propias ideas. [12]

12. 2023

    Un conjunto de percusión en el escenario de conciertos

    La Ópera de El Cairo presenta a Sa‘id al-Artist y su grupo el 2 de septiembre: un ejemplo de percusión como protagonista. [13]

13. Hoy

    La artesanía local se une al aprendizaje mundial

    Los alfareros siguen fabricando tambores de barro, mientras los intérpretes también aprenden en cursos en línea y talleres internacionales. [6][14][15]

La darbuka tiene una presencia especial en Egipto, el Levante, el norte de África y Turquía. También se escucha en los Balcanes y en comunidades musicales de todo el mundo. Estas fuentes no ofrecen un recuento fiable de intérpretes por país. Su presencia en canciones, celebraciones y danzas nos da una imagen más útil. [3][4]

Egipto. La tabla acompaña canciones folclóricas, música popular y danza. También aparece en algunos conjuntos de música clásica. Un tambor grande y grave llamado dahola puede tocar junto a una tabla más pequeña. Uno puede sostener el pulso grave mientras el otro añade detalles. [2][16]

El Levante. El investigador jordano Nayef al-Zoubi describe el tambor en canciones festivas, en la dabke (دبكة), una danza colectiva en línea, y en procesiones nupciales llamadas zaffa (زفّة). [16]

Turquía. El tambor forma parte de la música folclórica, el entretenimiento urbano y los conjuntos modernos de percusión. Las mujeres llevan mucho tiempo tocando dümbek de barro en Anatolia occidental. Junto a estas tradiciones locales, los intérpretes profesionales han desarrollado muchas formas de usar los dedos y dar forma a un solo. [6][17]

Norte de África. En Túnez, la darbouka se utiliza en la música familiar, los grupos populares y las orquestas clásicas. En Marruecos ayuda a mantener el ritmo en el al-ala (الآلة), una tradición local de música andalusí. Los relatos libios también describen tambores de barro con parches de piel. Cada lugar tiene su música y sus maneras de tocar. [1][18][19]

El cuerpo, el parche y el aro son importantes. Afectan al peso, al tacto y al sonido del tambor. Una superficie brillante solo cuenta una parte de la historia: bajo la decoración puede haber un cuerpo de barro, aluminio u otro material. [20]

El cuerpo de barro se moldea, se seca y se cuece en un horno para endurecerlo. Después se puede fijar una piel natural sobre la abertura con pegamento y cuerdas. La investigación de Çakmak sigue este oficio en Avanos, Turquía, incluido el trabajo del artesano Mehmet Körükçü. Los tambores de barro se siguen fabricando y tocando hoy. [6]

Los parches naturales pueden ser de piel de cabra o pescado. El tambor Sonika que aparece debajo lleva piel de pescado. Fíjate en la copa redondeada, la cintura estrecha y las cuerdas: las mismas partes básicas que viste en el tambor decorado se distinguen aquí con mucha más facilidad. [20][21]

Un reportaje de 2018 en un taller de Alejandría sigue el aluminio durante la fabricación. Los trabajadores funden el metal y lo vierten en un molde de arena. Cuando se enfría, extraen la pieza y la alisan en un torno, una máquina que hace girar el cuerpo mientras se trabaja. Después terminan la superficie y colocan un parche de plástico con tornillos. [22]

Los cuerpos abiertos de la fotografía muestran lo que suele ocultar la decoración. Cada cuerpo es hueco, con una copa ancha que se estrecha hasta formar un tubo. No hay un segundo parche debajo. El exterior puede cubrirse con pintura o pequeños trozos de nácar (صدف), la capa interior brillante de una concha. [22][10]

La piel natural responde a la humedad del aire y a la temperatura. Tradicionalmente, los músicos la han calentado para recuperar un sonido más tenso. La humedad afecta menos a los parches sintéticos, que suelen tensarse con tornillos. La guía de Sala Muzik explica estas diferencias. El parche, su tensión y tu manera de tocar contribuyen a dar forma al sonido. [20]

Sombaty es un nombre habitual para una darbuka de mayor tamaño. Una dahola suele ser aún más grande y tiene una voz más grave. La historia del propio fabricante Gawharet El Fan fecha su modelo Sombaty en 1993. Los diseños y tamaños siguen cambiando con las necesidades de los intérpretes. [23][10]

Empieza por el Dum (دُم), el sonido grave, y el Tak (تك), el sonido brillante cerca del borde. En sus clases en árabe, el percusionista jordano Nasser Salameh enseña a dejar que la mano rebote y se aleje para que el parche resuene. Sujetar el tambor con comodidad y obtener un sonido claro son pasos anteriores a la velocidad. [24]

Un patrón rítmico que se repite se llama iqa‘ (إيقاع); el plural es iqa‘at (إيقاعات). Los golpes graves y agudos destacados ayudan a dar carácter a cada patrón. El intérprete puede añadir pequeños golpes entre ellos, cambiar un acento o dejar un espacio. Esas decisiones dan vida a un patrón sencillo. [25]

Intenta escuchar dos cosas a la vez: el patrón constante y los detalles añadidos. ¿Puedes seguir marcando el pulso principal cuando el percusionista añade un redoble rápido? Es una forma útil de escuchar cómo un músico puede ser creativo sin dejar de acompañar una canción o una danza.

La darbuka y la danza del vientre

La danza del vientre es una parte importante de la historia de la darbuka. En Egipto, la forma escénica suele llamarse raqs sharqi (رقص شرقي), que significa «danza oriental». La tabla ofrece a los bailarines un pulso claro, acentos marcados y redobles con los que moverse. También es una voz dentro de un conjunto mayor de instrumentos. [2][8]

El término egipcio baladi (بلدي) significa local o «del país» y se usa para la música y la danza propias del lugar. Los espectáculos de El Cairo dieron a la danza un contexto distinto, con música arreglada, conjuntos más grandes y entradas y finales planificados. Hossam Ramzy describe cómo los espectáculos de Badia Masabni reunían a cantantes, músicos y bailarines. Estrellas como Tahiyya Carioca y Samia Gamal se hicieron después famosas en el teatro y el cine. [8]

Un solo de tabla permite que la bailarina y el percusionista trabajen en estrecha conexión. Un golpe grave puede marcar un movimiento fuerte. Una sucesión de golpes rápidos puede acompañar un shimmy. Una parada repentina puede dar dramatismo a una pausa. La emoción surge de cómo encajan los sonidos y los movimientos. [26]

En su relato sobre la música de la bailarina Nagwa Fouad, Ramzy destaca a Mahmoud Hammouda, intérprete de tabla en la orquesta de Abdel Halim Hafez, y a Ahmed Hammouda, que tocaba con Fouad. Describe solos construidos como secciones musicales, con cambios de ritmo y finales claros. Estos músicos contribuyeron a dar forma al solo de tambor como momento destacado. [27]

Ramzy aconseja seguir la pieza completa. Cuando una flauta u otro instrumento tiene un solo suave, mantén un ritmo sencillo y deja espacio. Cuando aumenta el volumen de todo el conjunto, también puede crecer la percusión. La bailarina responde a la melodía y al carácter, además de a los golpes. Tocar más notas no siempre ayuda más. [26]

La próxima vez que veas una actuación de danza, fíjate en una pausa, un cambio de ritmo y un final. Observa cómo responde la bailarina a cada uno. Después escucha la tabla mientras suena la melodía. Su función de acompañamiento importa tanto como su solo.

Una voz protagonista en el escenario

La darbuka también puede protagonizar un concierto sin danza. En un grupo de percusión, varios músicos pueden compartir un patrón, pasarse una frase o turnarse como solistas. Los ejemplos egipcios de MaqamWorld muestran la variedad que puede crear un grupo con tambores estrechamente relacionados. [2]

Sa‘id al-Artist es un conocido intérprete y director de conjunto egipcio. El programa de la Ópera de El Cairo del 2 de septiembre de 2023 lo anuncia con su grupo. Conciertos como este sitúan a los percusionistas en el centro de la actuación, donde el público puede seguir sus sonidos y sus movimientos de manos. [13]

Las técnicas antiguas y las nuevas conviven. El profesor turco Hakan Kaya explica el fiske, un golpe con un movimiento rápido del dedo utilizado en la técnica turca tradicional, y la técnica de dedos separados, que independiza sus movimientos para producir golpes rápidos y uniformes. La forma del aro influye en qué movimientos resultan cómodos. [17]

Mısırlı Ahmet, nacido como Ahmet Yıldırım en Ankara, se dio a conocer por una rápida técnica de dedos separados en tambores de barro. Pasó tiempo en Francia y Egipto y más tarde trabajó con músicos de otras tradiciones. Su apodo significa «Ahmet el egipcio». Su trayectoria es un buen ejemplo de cómo las ideas viajan entre países mediante la escucha, los viajes y la música compartida. [12]

Los músicos combinan ideas antiguas y nuevas. Un principiante puede aprender unos pocos golpes claros; un solista puede combinar redobles de dedos, golpes slap y cambios rápidos de sonido. Las técnicas egipcias y turcas suelen encontrarse en una misma interpretación. [17]

Las grabaciones y las giras han acercado la percusión egipcia a nuevos oyentes. Hossam Ramzy trabajó con Peter Gabriel y llevó a músicos árabes al proyecto No Quarter de Jimmy Page y Robert Plant. Estas colaboraciones situaron los sonidos de su tradición musical junto al rock y otros estilos. [11]

La enseñanza también ha viajado. Galata Ritimhanesi, en Estambul, se convirtió en un lugar para la práctica en grupo y las ideas personales. El percusionista sirio Omar Kattan, afincado en Barcelona, enseña mediante talleres y clases en línea. Hoy se puede aprender de músicos que viven muy lejos. [12][15]

El curso en árabe de Nasser Salameh en i‘zif muestra cómo organizar el aprendizaje paso a paso: sonidos básicos, patrones rítmicos y después formas de unirlos. El vídeo también permite volver a ver un movimiento de la mano y escuchar varias veces la misma frase. [14]

Por eso no existe una única versión «definitiva» de la darbuka. Un tambor de barro en una reunión familiar, uno de metal en un conjunto de danza y un solista que enseña en línea forman parte de su historia. El instrumento sigue cambiando a medida que las personas lo fabrican, lo tocan y transmiten su conocimiento.